融入戏剧声乐中的奥尔夫教学法

向群

摘 要：探讨奥尔夫教学法如何应用到高等职校戏剧声乐教学中。该文根据多年的声乐教学探索经验，提出了以学生为本，激发生命艺术兴趣为重点，以表演为中心，从节奏、音区、旋律、说唱、个性与角色系列训练的奥尔夫教学模式。

关键词：奥尔夫教学法 戏剧表演 声乐教学

中图分类号：G712 文献标识码：A 文章编号：1674-098X（2016）07（c）-0143-03

声乐艺术教学本来就是一门艺术。但是多年来我从事的戏剧表演声乐教学在这里有点困惑，我发现传统的声乐教学可以培养出优秀的歌唱演员，但作为戏剧表演专业的学生学习声乐与声乐专业的学生学习声乐，他们学习的兴趣与学习的态度是不一样的（学习的基础不一样，又在有限的课时里），运用传统的声乐教学我感到力不从心，往往事倍功半，达不到好的效果。尤其是校领导把音乐剧专业落户到戏剧系以来，声乐教学更需要加强，使我更迫切地感到戏剧声乐教学需要新的视角与方法，于是在戏剧表演声乐教学中我尝试了奥尔夫教学法。

1 戏剧表演声乐教学常见的问题

戏剧表演艺术是一门综合艺术，集声、台、形、表融为一体，每一个元素都很重要，而声是首要元素，日常生活中，我们也有成语“先声夺人”。在舞台上，声音的效果是其他要素所无法替代的。一个戏剧声的效果奠定了一个戏剧表演的基调。但是，目前戏剧表演艺术声乐教学方法却常常不得要领，常见的声乐教学存在的问题主要有以下几个方面。

1.1 忽视戏剧表演声乐教学与专业声乐教学根本区别

专业声乐教学，是声乐专业的纯粹音乐艺术。他强调嗓音条件、发声技巧、音乐素质及相应天赋。对于戏剧演员来说，声乐是围绕着戏剧表演进行的，声乐只是表演的手段之一，完全要服从戏剧表演的需要来安排。它强调以情带声，声情并茂，配合表演，用唱的形式把故事情节与戏剧的内涵表现出来，必须结合声音、语言、形体，形成三位一体综合动态的表现剧情。

专业声乐教学训练，常常把声乐中的某一元素提纯，单独训练虽然有效果，却因为没有考虑戏剧情节与情境的需要，难以调动学生整个的情感，而显得机械、枯燥、乏味。

因此，戏剧表演的声乐教学，不能够生搬硬套，必须另找一种适用它自身的方法，我认为奥尔夫音乐教学法较为合适。

1.2 忽略戏剧表演的特性，声乐教学与戏剧表演难以融合

传统声乐教学是按照统一规格训练，容易忽略表演的特性，不需要考虑角色分配。戏剧表演声乐教学的核心是以表演为主，围绕这一中心展开声乐教学，不管个人的音乐素质与天赋如何，学生首先能够开口唱，在唱的过程中，根据学生不同的发声状态、表现形式来有针对性地教学。及时更正学生的发声错误，根据剧情的要求，对声音作出相应改进。比如：一个剧情需要一个角色是老年人，老年人的声音可能需要低沉一些，而演员可能是一个年轻人，那么年轻人就要模仿老年人的声音，体现出低沉的特点，从而适应角色的要求，把剧情中老年人的声音自然流露出来。再把旋律注入到台词里面唱出来，这种表演的效果就非常到位，这就是戏剧中的声乐效果。走专业声乐教学的老套路，就背离了戏剧表演性的需要。戏剧表演声乐教学不仅要根据戏剧表演者的自身条件来进行声乐教学，还要根据剧情人物个性来训练他们的声音，奥尔夫教学就能够达到这个要求。

2 奥尔夫教学法的特点与基本原理

卡尔·奥尔夫是德国作曲家和音乐艺术家，由于不满当时音乐创作上的古板，第一次世界大战后受人本主义精神的影响，及受达尔克罗兹体态律动和现代舞蹈表演的影响和启示，构建了一种具有原始风格，富于表现力和主动精神的新型音乐的想法。产生了将音乐和舞蹈、音乐与语言融合为一体的音乐剧，而奥尔夫教学法正是适应这种音乐教学理念的转变。

2.1 立足于个性化的完整人的情欲表演

奥尔夫教学法从人本主义的哲学思想出发，认为表达思想和情感，是人类的本能欲望。人类本能具备通过语言、歌唱、乐器演奏、舞蹈等形式自然流露的欲望，而且自古如此。在这里，一切从学生出发，关注对学生内心世界的开发。不是人围绕着音乐，而是让音乐围绕着人来服务，提升人的艺术表达能力。通过学生亲身实践，主动学习音乐，以培养学生的创造力为主要目的。

一切的艺术，都是为了展示人的个性，做思想情感的形象表现。因此，在戏剧声乐教学时，从一开始，我就立足于这样的思想认识：每个学生都是独特的、完整的个人，他们都有自我展示的能力与需要，这是戏剧表演声乐教育的前提条件。我会根据每个学生的声音条件与音乐素养，有针对性地安排课程与相应训练。

2.2 强调音乐艺术与其他艺术的配合，形成综合性、整体性的音乐艺术

奥尔夫教学法倡导元素性的音乐思想，元素性音乐思想不只是单独的音乐，而是一种融合音乐、舞蹈、语言为一体的整体艺术。通过这些整体的艺术活动，加上鼓、木锤、木块以及钟等节奏感强的乐器，学生学会了音乐结构。

奥尔夫教学着眼点不在音乐的本身，而在于如何让人“动”起来，主动去学习音乐，感受音乐的艺术魅力。在这里音乐的学习是综合式、即兴式、让音乐学习充满创造的冲突与艺术的灵感。

因此，学生在奥尔夫教学中必须学会动脑、动手、动脚、动身，必须全身心地感受和表现音乐，甚至充分运用人体各个部位可能发出的声音去参与演奏。在这个过程，创造精神被提到首要位置，关注学生内心世界的开发与启迪。通过强节奏、快节奏，以及相关乐器的使用，即兴的演奏与即兴的表演，让学生在音乐游戏中完成对音乐的学习，达到一般音乐教学难以达到的综合性效果。

2.3 用奥尔夫教学法重新理解戏剧的核心元素

戏剧的核心要素有四个方面，即声、台、形、表。这些因素共同构成了戏剧艺术的综合性，它不是某一元素的突出，而是根据戏剧的情节与人物角色的需要来展开的。声乐也主要取决于角色的需要，而不是取决于单纯的乐理需要。奥尔夫教学法，因为强调回归人本，诉诸感性，激情喷发，自然天成，把人的个性与相关的素养提高密切结合起来了。从而避免了过去那种单纯的教唱歌，而教材也主要是以单首歌曲连续出现的现象，后来虽然也有了少量的变化，但是学生主要还是模仿著名演员的唱法唱腔为主，整个学习过程显得非常被动。作为教师，所从事的声乐教学，也是认真追求着“快出成果”“出好成果”，教学过程中严厉地对待学生，学生自然会感到一股莫名的压力，除了极少数学生获得一定程度的提高之外，绝大多数的学生都感觉无所作为。由于在音乐方面人的先天素质在客观上有着很大差异，按照我国原有课程的要求，总会有一部分学生离教学要求甚远，于是他们自然对音乐“敬而远之”，对此教师也束手无策。如果改用奥尔夫教学法，那么，根据戏剧的声乐特点，每一个学生都是一个独特的音乐，无论他们原来的音乐基础如何，无论他们的音乐天赋怎样，都是可教的对象。他们可以根据自身的条件，选择适合自己的角色，也可以根据自身的条件，选择学习相对于自己天赋的内容来突出自我，更主要的是在戏剧中去把握自己的课程。

3 高等职校戏剧表演声乐教学运用奥尔夫教学法的一点探索

自高校扩大招生以来，导致艺术类生源素质明显下降，中职、高职尤甚。声乐在表演教学中又不能够拖退，恰当使用奥尔夫教学法来进行教学，学生的学习态度、学习兴趣就有变化。可以在有限的课时、较短期间取得较好效果。

3.1 奥尔夫教学的基础训练阶段注意音乐节奏与声区的综合训练

在表演基础训练阶段，声乐教学也在进行基础训练。首先在节奏方面即音的长短，我采用的是从肢体找感觉，例如：节奏、节拍的训练，由整体到局部，以一个个体为中心，单独练习，再分组交错练习，再把单个整体分开，手、脚、独立。把枯燥的节奏节拍训练融入于游戏中，在愉快中进行教学，既活跃了课堂气氛又增添了学生的学习兴趣，充分激发了学生的生命能量。

再比如，在戏剧声乐教学中，我特别注重中声区的训练。我们平时说话也在中低声区。练好中低声区，高声区解决就不是很困难了。音乐剧中的声乐形式是多样化的。在剧中，有唱美声的，有唱通俗的，甚至还有边说边唱的，有时一个角色会遇到几种唱法，在这种情况下，一定要保持声音的完整统一，又具有戏剧性。为了给学生尝试戏剧性较浓的声乐作品。我选择了《念故乡》《我亲爱的》《西班牙女郎》《哈巴捏啦》《卡门》等单声部作品，还有合唱《斑鸠调》《桑塔露琪亚》《雪绒花》等一些二声部作品，之后我发现学生在运用假声上很自然，而且混声也运用的很自如。猫剧在几处合唱部分学生们声区都掌握的非常好。在个别假音高位上唱得也非常清晰。

3.2 奥尔夫教学在剧情片段中注意音乐旋律与说唱的融合

在表演进行片段教学甚至在此之前，声乐教学也有相应地教学内容。在音的高低即旋律方向，要求学生融入于剧情中，哪怕一个音、一个母音，都采用喜、怒、哀、乐的表演，强、弱、长、短的方法去演唱。例如：训练长音“唔”先要求轻与重的对比，即渐强渐弱的对比，由此可以让学生感受到摸不着、看不见的发声气息是怎样与声音在一起流动，让学生的注意力高度集中在自身的体内、在教师手的指挥线条上、在教室凝聚的气氛中。因为我要求整个基调是慢、轻、无形静的感觉，抓住学生的注意力、凝聚学生的思想，把自己该节课所要导入的知识让学生全部吸收。

在音的色彩上我打破传统音乐的常规。根据表演学生的特点，注入语言即台词融入到声乐中，让学生在说唱中进入故事情景。课堂在于一种好的气氛，思想的凝聚力，要把几十个思想统一起来长时间可能有一定的难度，但是课堂45 min，作为教师应该拥有这种驾驭能力，找准45 min知识的精华，按以人为本的教学原则，学生在整个说唱过程中无拘无束，给他们一个情景，让他们尽情发挥，例如：S.H.E的中国话、周杰伦的听妈妈的话等，我常把绕口令编成歌曲让学生唱，例如《鹅过河》《买饽饽卖饽饽》《画凤凰》等加入节奏，加入肢体的动作，寓教于乐让学生天性得到解放。

一切的舞台表演都是声台形有机的融合体。这个结合体在不同的旋律、不同的语言、不同的律动表现上都展示着不同的思想情景，加入律动舞蹈表演的声乐就更能够突出这一点。在教学过程中，我第一步就是让学生听老师弹奏旋律，让他们用肢体语言告诉我旋律的意境，可以单个、也可以分成几组展示。虽然在动作操作上可能有些欠缺，但是在旋律上不断地、反复地进行中，只要这个主体在流动，所要表达的意境就会不由自主地流露出来，甚至在某种情景下旋律与律动舞蹈完全融合，自然地唤醒主题，达到合一的境界。

3.3 完整剧情的表演声乐教学，注意把学生个性与角色及剧情融合起来

融入奥尔夫教学法在戏剧声乐中的教学，是我从事多年教学中，在操作上最简洁、最轻松、受益也是最大的，它以人为中心，给主体空间、时间，让其思想解放、无限放大。

奥尔夫教学法尤其在剧目教学中效果更为明显。我在音乐剧韦伯作品《猫》（Cats）的第一幕和“格里泽贝拉”（Grizabella）最后出场的一幕中的安排以及《生命的旋律》（Sweet Charity）中的排练都体现了学生的个性特点。音乐剧的声乐教学与传统的声乐教学最大的区别在于：“音乐剧中的声乐是具有戏剧意味的，它是用来塑造角色的，演唱者的音色、形象、风格与他（她）所表现的剧情的内容有密切的关系。因此，在训练中我特别强调这点。在猫第一幕中出现的老猫（Old Deuteronomy）所唱的Do you know how to go to the Heaviside Layer？我对演员就要求很严格。这只Old Deuteronomy是猫群的首领，它德高望重，猫群都非常尊敬它，它在猫群中很有威望，那么它的声音就必须是严格、庄重、深厚、低沉，演员按照我说的做到了，效果相当好，甚至自己都有种成就感。另外在《回忆》（Memory）的演唱中，我要求演员通读剧本，把握准人物不同阶段的性格。这只“格里泽贝拉”（Grizabella）猫，年轻时魅力十足，傲慢，老了变的肮脏、孤独、寂寞、遭猫族唾弃、排挤到处流浪，此时的它也渴望升入天堂，但这对它来说是多么的奢侈，可是它用它的坦诚唱出了它的心声，并且得到了猫族的理解，实现了愿望。在歌唱的过程中，我要求学生有些地方要唱破，要唱得嘶哑，要把剧情中的情感完全融入到声音中去，高潮部分用美声，低音区用真声，说唱自由地结合，自由地转换，声音随着旋律跌宕起伏，给人一种完整的美感。该演员能够做到这点，我想这与我们平时根据学生个性特点与剧情需要来做声乐训练是分不开的。

4 结语

传统的声乐教学在培养高端声乐专业人才方面，有悠久的历史与良好的效果，但是对音乐天赋要求很高，这对戏剧表演专业的现状与要求来说不是很适合。奥尔夫教学是音乐教育的一场新的探索，它改变了人们对音乐的认识，强调了人的整体因素，对戏剧音乐教育提供了新思路。奥尔夫教学在普及音乐艺术与音乐走向大众化过程中起到特别的效果，在提升民族的音乐素养方面，有一种新的视角，当然进一步探索仍有必要。

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