中国山水画中的色彩运用

肖淬文

（忻州师范学院五寨分院，山西忻州 036200）

色彩不仅能传递山水画作品的文化内涵，也能加强情感传递。因此，中国山水画在创作时要综合考虑相关色彩运用，这样才能提升作品的艺术内涵，促进中国山水画不断发展。中国山水画追求高山流水，天人合一的境界，这不仅能表达对大自然的敬畏和欣赏，也能促进国人鉴赏能力和审美能力不断提升。而色彩运用作为山水绘画基础，可以有效发挥国画山水中的艺术特色，因此，创作者可以通过颜料加强色彩渲染，从而有效提升山水画的表现力。

一、色彩运用的意义

随着全球文化的不断交融，西方画作色彩开始逐渐影响我国创作者的创作理念。当代画家开始对绘画色彩进行重新认识。而具有我国民族特色的山水画具有悠久历史，影响着一代又一代画家。加强对中国传统山水画色彩的探究和分析，可以创新山水画的色彩表达形式，这不仅能使传统山水画具备现代化特征，也能积极促进我国传统山水画发扬和传承。由此可见，积极研究中国山水画中的色彩运用，可以促进传统绘画传承，也能积极促进人们审美和鉴赏水平提升，并在传承过程中加强文化自信和民族自信。[1]这也使得中国山水画色彩运用研究不仅具备艺术特征，也具备特殊的社会意义。因此，画家应积极加强对中国山水画色彩运用的探索和研究，这样才能促进中国传统画作蓬勃发展，并积极促进中国传统画作的传播和优化。

二、色彩运用中的材质影响

影响色彩运用的因素包括墨和笔。水墨山水画也是最常见的山水画形式，而西方绘画颜料的出现，也使得墨色更加丰富，其水彩颜料也更加多元化。而笔在严格意义上讲没有好坏之分，不同画家习惯利用不同的笔进行创作。笔者在此不对墨和笔作出过多赘述，主要分析影响色彩运用的五色颜料和画底，加强对色彩运用的全方位认知，并在山水画中加强对色彩的合理表达，从而使中国山水画更具传统特征和民族意义。

（一）五色颜料

五色主要指赤、青、黄、黑、白。首先，赤色系中最常用的为赭石和朱砂，朱砂一般会存在石灰岩中，需要对其进行仔细研磨才能使用，不同质量的朱砂颜色也会有所不同，最上乘的朱砂颜色红艳且杂质较少。[2]而赭石一般会产于赤铁矿，既有偏红色系，也有偏黄色系，赭石挑选过程也较为严格，太过柔软和太过坚硬的都不能使用；其次，青色系中包含石青和石绿，二者制作方法相似，需要根据研磨的粗细呈现不同的颜色深浅变化，研磨越细，颜色也会越浅。但石绿不能在水中泡太久，不然会损失其原有光彩。虽然二者本身的化学性质很稳定，但不能遇水和铅粉，否则极易损毁和脱落；再次，黄色系多为草色。例如会用藤汁煎制藤黄，这种颜色易溶于水，但经历暴晒和风雨有可能会颜色变淡；黑色系最常见的包括松烟墨、油烟、石墨。这种颜色和颜料也是山水画中最经常使用的。随着时代不断发展，墨材料的制作形式和相关配方开始逐渐多元化；最后，白色系包含铅粉、蛤粉和唇粉等等。不同材料适用于不同画底，画家可以根据需要自行选择相关色系。

（二）画底

画底一般包括岩壁、绢本和纸本。首先，以岩壁为底的画作在创作时，色彩的质地和气候条件以及画底的粗糙度都会影响画作。因此，必须对画作条件进行综合考量，才能呈现原生态的作品。一般以岩壁为底的山水画都会带有一些宗教印象。但岩壁本身带有一定自然色，颜料会与底色之间发生色彩变化，时间推移，会使原有色彩罩上神秘的面纱，这也使得以其为画底的作品，经常被画家和艺术家观摩和探讨；其次，以绢本为画底的画作代表性作品较多。例如，展子虔的《游春图》、范宽的《雪景寒林图》、郭熙的《早春图》等等都属于优秀山水画作品。以绢本为底的画作更加精致，也更加细腻。这种画底适合表现层次较强的画面意境，也适合多颜色表达。宋代经常使用绢本进行创作，因此，这一时期也开拓了笔墨严谨、气象恢弘的山水画；最后，以纸本为底的山水画在元代时期兴盛。例如黄公望、吴镇、王蒙等等，都喜欢利用皮纸作画。我国造纸术始于西汉，后由东汉的蔡伦进行改良，造纸原料以皮料和麻料为主。后期出现宣纸、生纸等等，为山水画的推广和发展带来新的机遇，这一时期水墨画也得到热烈的追捧和广泛的推崇。

三、中国山水画的创新创作

（一）促进水墨与色彩的和谐交融

色彩可以促进中国山水画创新发展，但受传统色彩影响，山水画色彩与墨彩开始逐渐分离，这也使得色彩无法在山水画中完整表达。通过研究传统绘画史可以发现，水墨和丹青都属于绘画色彩中的重要元素，也由此衍生出山水画用色和用墨的特点。一种是五彩缤纷的丹青绘画；另一种是清新淡雅的水墨画；还有用勾线勾出外形的工笔画。两宋时期，传统色彩观念出现积极革新，文人墨客开始研究如何利用水墨加强色彩渲染，通过不断研究发现墨分五色，这也说明我国古代文人墨客对色彩的追求和重视。例如，“干、湿、浓、淡，清”可以充分表达墨色的层次感，可以用其体现山水质感，由此，山水画色彩开始逐渐丰富。水墨色有极强的表达力和表现力，不仅能渲染不同的色彩变化，也能体现山水的神韵。创作者通过墨色表达虚中有实，实中有虚的无穷变化，这不仅使水墨与色彩和谐交融，也凸显传统山水画特征。虽然随着全球文化交流的不断深入，我国山水画正在积极创新发展，但发展过程中仍会积极保留传统山水画特色，这也使得中国山水画在创新创作过程中，受到更多的认可和关注。

（二）积极利用色彩加强情感探索

色彩是可以直接表达情感的基本绘画元素，不仅能打造较为醒目的绘画效果，也能对人们的情感产生冲击。[3]山水画的色彩会受到传统儒家、道家和佛家审美观念影响，提炼丰富绚丽的色彩，形成独特的绘画色彩体系。传统审美特征是中国山水画的精髓所在，创作者会通过色彩加强情感表达。创作者是通过色彩表达主观情感，因此会对色彩进行印象化处理。例如，中国绘画讲究随类赋彩，会根据绘画的景象设置相关色彩，还会根据内心情感和感受将景色的客观本质和自身审美相结合，以此创作多元化的山水画作品，这也说明中国山水画的以“意”取色。例如，墨分五色会将墨色的意向充分发挥，这不仅会给人带来无限的想象空间，也能加强对世界万物的淡雅渲染，这种渲染可以使欣赏者充分感受心灵的宁静。同时，也能用一墨包含万物之色，从而帮助作者从无色之中寄托情怀，表达情感。并且，中国山水画的意向色彩，是由创作者的主观情感和事物本质进行充分融合。例如，唐代周昉创作的优秀画作《簪花仕女图》，不仅能体现作者的用色技巧纯熟，也能充分体现贵妇的安逸生活。这说明绘画之前创作者曾对客观事物进行过全方位的观察和研究，这也使得画作的表现力更强。

（三）创作时积极引入“光、色”

光线可以体现最真实的生活状态，也是人们感官中最壮观的一种体验。很多艺术家会通过艺术描绘体现光辉，这不仅能使人们加强对景色的原始感知，也是人对自然的基本认识。不同创作者对色彩的处理手段不同，因此晕染的光线也会有所不同。例如，优秀画家何家林对自然阳光下的色彩处理，堪称一绝。不仅会用淡色淡墨手法体现整体山水作品的优雅宁静，也会通过层层渲染使画面层次感更强。光和色的引入使得中国山水画重新焕发无穷生机。目前，很多绘画作家正在积极研究如何利用水墨加强光色表达，期望可以促进二者有机融合。但在研究过程中不能为强调光色而丧失画面的整体协调感。例如，岭南派画家曾在一段时间内过于强调光色运用，这也使得创作的山水画失去传统优势，但这也间接导致之后很多岭南画家开始放弃探索光色。由此可见，画家在探索光线过程中，必须使画作保持动态平衡，这样才能通过探索自然光，提升山水画的艺术性。首先，可以利用斑驳光线赋予画面生机，这能使山水画形成静谧与生机的强烈对比；其次，可以利用光色营造迷离的氛围，从而体现山石的简朴。同时，还可以运用光斑使空间削弱纵深感，这不仅会使山水画整体画面层次更加丰富，也能体现全新的山水画意境。由此可见，色彩运用时加强对光与色的探究，可以有效实现山水画的多彩发展，也能促进其传承创新。

山水画不仅是民族文化传承的象征，也是具有特殊价值的文化瑰宝，丰富的色彩表达，可以增加山水画的层次感和表现力。合理运用色彩需要画家的不断积累和探索，必须具有较强的绘画内涵，才能呈现和谐的色调和画面。墨与色的有机融合，不仅能使中国山水画达到和谐统一的境界，也能体现中国艺术圆融的精神。但传统绘画色彩颜料可能无法满足创作者需要，应对颜色材料进行适当探索，这样才能积极促进中国山水画不断发展和革新。