琵琶教学之所感——以基本功教学、训练为例

黎 芸

（武汉音乐学院中国器乐系,湖北武汉 430060）

琵琶学习过程中，有很多方面的难点，在学习的阶段中，也会根据时期的不同，遇到各种瓶颈，如何更好地跨越自己的瓶颈，在教学中我有了自己的一些思考与感悟。启蒙教学中，基本功教学尤为重要，启蒙基础的规范与完善，让后期的学习与上升空间更事半功倍。在基本功的学习和练习中，由于练习过程的重复性与枯燥性，容易造成学生内心打退堂鼓，能够专心要求自我的，坚持练习的，是非常不容易的，那么在学习的过程中，我们应该如何提高练习的效率，以及提升学生的自信心，高效的练习方式，是提高学生自信很重要的条件。后期，就是乐感的培养，二度创作的演绎，怎样才能灵活地将自己所学，展示在乐曲的学习过程中，音乐的学习，无非是在技术加上音乐，在技术手段的支撑下，才能更好准确地表达演奏者内心的音乐思考与想法，情绪的推动才会流畅自如，那么后期音乐的高度，就需要演奏者，有思考、有想法、有自我的音乐设计，才能够让音乐的演奏，在理性的设计框架内，来完成感性情绪的演绎，看这样才可以有一个比较合理且合适的音乐呈现出来。

一、基本功学习中效率问题

本文从以下几个方面着手，探讨一下基本功学习过程中，笔者认为比较重要的几个点。

（一）训练的有效性

琵琶的学习中，笔者将之分为三个部分，1.听觉训练；2.技术演奏训练；3.审美训练。

1.听觉训练

音乐的学习中，听觉训练是十分重要的，检验音乐的要求在于，耳朵的倾听，感受，音色、力度、强弱、呼吸，在音乐中的合理性，音乐的处理，需要用听觉去辨别，是否音色是否符合乐曲的风格与定性；通过听力去辨别音乐的张力，是否能够体现音乐内在情绪的渲染，让听众感受到演奏者内心的波澜；也需要通过听觉去感受音乐的呼吸，是否可以引领听众走进演奏者的音乐创作的内心世界。听觉训练的细节要注意：①音色的色彩差异，虚实的区别，在右手演奏中如何去控制触弦的深浅以及速度，来描绘音乐中不同层次的语汇，达到精确的演奏；②力度的差异，在演奏中通过听觉来辨别力度变化的区别，来注意右手在力度控制中，用力过程中，肌肉紧张度与发音瞬间爆发力的表现，准确地表达音乐的张力；③音乐线性与点状音乐的控制，乐句如何更好地持续性以及流畅的转换，将点线流畅自如的演绎，除了提高控制力，也要注意找到两者的差别，学会两者音色的一个统一与连接处理，才能使音乐的情绪的推动与变化，更为的细腻与丰富，再带入呼吸的连接，使音乐更完整。

2.技术演奏训练

演奏中：①左手技法训练；②右手技法弹挑类技法训练；③右手技法轮指类技法训练。训练过程中，要注重每个技术在演奏中的细节，同时，也要要注意技术训练的单一性（个性与特色的训练），也要主要到技术的持久性（共性的训练），最后，还有技术的变性化（变性训练）。

首先，单一性训练，在学习的启蒙阶段，都是由单个音、单个指法开始的，在单个技术的学习过程中，老师会对技术的手型、角度、发音要求、力度等，做具体的指导，那么学生在学习的过程中，需要对此技术做到单一化的，反复的训练，能够准确地掌握，每一个音在演奏的时候，是如何自然的流畅的将音传递到指尖，需要强调在训练中，听觉的训练应该是同步参与，在听觉的参与下，才能审视每一个音在演奏中，是否达到老师所要的那个音响效果，根据演奏的松紧、力度、速度、角度的变化，所产生的音色出来的细化的听觉效果，去准确地判断单个音之间的来稳定性或者差异性。才可以在共性中找到个性，个性中与体会共性。节奏型的训练也十分重要，以单拍为单位，单个节奏型的训练，将每个节奏型都可以在心中熟读与准确控制，也是单一训练的关键，为乐曲的学习与演奏做好准备。

其次，持久性训练，也就是耐力训练，在基本功训练中，除了单个音演奏的色彩要求外，连续性的演奏，也是音乐中线性旋律的演绎，可以将音乐的韵律歌唱出来，将音与音连接起来，做成一句完成的语句，表达一个完整的意思。在单音训练的基础上，我们要加以对单音在倍数上，关联性训练上，加以辅助，同时在单个音的训练中，加入持续性的同一节奏性、演奏方式的训练，提升技术中耐力以及平衡性、稳定性的掌握，让音乐在线性旋律的表现中，可以连贯和流畅，展现音乐语气语态的完整性的表现。

最后，变化性训练，乐曲中的演奏，都是节奏性的搭配不同，产生的一定的规律式的连接，从而展示音乐内部不同的节奏，那么，变化式的训练就是得清晰掌握不同节奏中的规律与关联，在一定的节奏内，快速的反应与转换，从而展示音乐的流畅性。在单一节奏型的训练基础上，又要注意单一节奏性持续性的练习，掌握每个单拍节奏在规律内如何稳定的表现节奏的律动，体现音乐内部的律动感。同时，也需要注意不同节奏性的连接与组合式的持续训练，掌握不同节奏性中，演奏技术速度、力度、紧张的变化的差异，能够准确的转换，且在平均的节奏内，流畅的转换。

3.审美训练

在音乐学习的过程中，除了技术的完善训练以外，提高自我的修养，增加审美的要求与高度，能够促使学习更好地达到一个高度。音乐的审美存在几个方面：①多听多看，现在这个学习的环境，越来越便捷，能够随时随地观赏和学习不同演奏者的视频或者音乐会，通过观看与倾听，来学会如何正确地审视不同的音乐的好坏与风格。②多读书，各个方面的书籍，都可以提升我们对音乐内深度上的追求，拓宽在音乐情绪思维上多维度的展现，情绪与音乐想象力的创造不单一化。③加强艺术实践，通过舞台的展示，找到自己的问题，更有效的解决问题，实践是最好检验学习过程的一个有效的途径，在舞台上可以展示优点的同时，也会无限放大练习中所出现的不足，让自己更准确地了解自己，也是进步非常重要的手段。

（二）训练方法的多样性

1.个人训练：是指在训练中，以单个形式，加以训练，通过不断地重复性的训练，来增加头脑的反应度，记忆里的培养，其次增加手指之间相互配合的灵活度的训练，加深手指肌肉的记忆，使演奏的指尖速度更统一，更加流畅。在训练中，一定要注意，一定是由大脑来支配手的演奏，左手来引领右手的配合方式，这样的训练才会是心手相通，切不可制作纯手指的训练，无大脑思考过后的手指演奏，很容易无章法与要求，随机性太强。

2.多人训练：也就是我们常说的，大家一起来完成个体训练时候的要求，结伴完成基本功训练的时候，可以激发大家相互比拼的一份心，那么在练习的过程中，坚持性会比一个人训练更好，也可以在一起训练时，相互检验对方的问题，或者找到自身的差距，达到单一性训练中，更清晰的感受手指指尖的发音速度、力度的准确控制要求，同步可以提升在演奏时，对听觉审美，细节的把控与要求，做到精致化、细节化。多人训练中，还有多声部配合训练，将不同的节奏、音高、旋律等，交叉配合训练，与重奏、合奏、组合、乐队训练形式类似，是小型的合作形式，为后期配合式音乐，做一个基础性的训练，每个人在完成自己的旋律节奏同时，还需要与肢体相互的配合，拧成一股绳，将音乐融合成一个完整的乐曲，才能更准确把自己的想法传递给配合的另一个声部肢体，准确地找到自己所需要的节奏律动，旋律承接的关系，也就可以提升学生的多声部，多层次的听觉感受。

小结：训练的方式，主要成单人和多人两种主要形式，通过不同的两种训练方式，更全面的解决学习中出现的不完善的地方，相互促进式、鼓励式的学习，能够更好地“一带一”形式的共同进步。

（三）二度创作与舞台表现

1.二度创作：很多文章都研究了演奏中的二度创作，音乐是如何表现和演绎的。那么我认为二度创作的能力，基于演奏者学习过程中，积攒了多少文化涵养以及技术上多少演奏的手段，而且二度创作，应该是在了解原作者所需要的音乐内容，了解作者内心表达的方式，在原有的基础上，做一些，演奏者不同的审美视角的演绎，所以，我认为二度创作只要在不背离作者设定的原有音色、情感、风格、色彩等基础上，做自己对于乐曲反射在自身演绎中的感受，通过演奏者的语气、语态、思维模式等表达方式呈现出来，至于采用何种琵琶的技法，或者何种强度，笔者认为，只要是能够贴合音乐本体的设计，都是合理的创作。

2.舞台表现：在现在的舞台审美中，台风已经是非常重要的音乐表达内容之一，舞台表现，应该在学习的过程中，就循序渐进的渗透，不是到了所谓的演出，比赛的时候，加一些所谓的动作设计而成，笔者认为所有的舞台上呈现的动作，都应该基于音乐的演奏本身，肢体的演绎，都应该和音乐的强弱、深浅、浓淡、音乐内容的展示相匹配，例如，力度强的地方，肢体的运用可以放大些，同时也更利于演奏音乐力度和情绪的张力，这样表演+实际音量是对等的，那么这样的舞台表现，才更真实，更让听众感受到演奏者内心的情感表达。

笔者认为，在琵琶学习的过程中，路漫漫其修远兮，只要能够扎扎实实的打好基础，把学习过程中的所有内容都细致化，才可以将音乐更自如的演奏出来，做好基本功的训练，是学习过程中必不可少的，也是不可丢失的，基本功学习，也切不可浅显的认为的你技术的形态的学习，更多的是技术的各项原理的学习与运用，理论与实践需要并行。同时，音乐的演绎，绝不是一成不变的，要能够学会音乐的多元化处理，将技术的学习，不要过于单一化，除了平均的训练，也要重视变化的重要性，音乐的情绪，是需要变化才可以完成的。笔者认为学习的过程是学习——认知——实践——检验——再实践——再检验不断地循环往复，从而精益求精，提升对自己演绎音乐的审美高度，与听觉需求的高度，有目标的训练和要求自我，才可以更好地去演绎完整的音乐，讲述属于你的音乐小故事。