油画艺术中光线的运用

（陕西师范大学 712000）

绘画的本质属性是视觉艺术，西方油画对光的研究和表现可以说是它的重中之重。光线是美术作品的重要表现因素，它刺激人们的眼睛，为客观世界的可视性提供了媒介与信息，帮助人类探索时空变化，使宇宙间的一切物象有了可视性。油画艺术最重要和最关键的语言要素之一就是光，对光影适当地进行强弱对比，便可恰如其分地表达出画面中主要形象的艺术意蕴，表现出艺术家的情感情绪以及内心深处的种种空间深度。对光影明暗的处理同时也是艺术家个人情绪的表达与宣泄，它能给观者以强烈的视觉冲击力与震慑力，增强了画面强有力的感染色彩。在西方油画艺术中，艺术家在创作中首先必须考虑的要素之一就是应该如何合理的分布光线。光线的运用和表现在视觉感知中担负着重要的任务。由于油画艺术重视研究和表现自然本真这一特殊属性，使得不同风格的艺术家们对于如何运用和表现光线这一问题都十分重视，这也是西方绘画艺术注重科学研究和追求理性主义精神的侧面反映。从古至今在许多油画大师们的作品中都可以发现一个共同点，那就是，油画艺术是一种非常强调光的表现与运用的艺术形式。

一、人物画中的光与影

西方的艺术家们认为光照现象是自然的再现。艺术家们常常使用不均匀的光线来增强画面的深度与广度，这样有利于制造出更加强烈的空间感。在油画人物这一专业方向的创作上，艺术家们都选择在自然光线的照射所呈现得状态中找寻恰当的表现方式来完成画面效果。艺术作品中光线的明暗程度不同，可能会让观众的视觉产生不一样的知觉，这种知觉让艺术作品给人更真实的体验。油画艺术是一门追寻空间真实感的艺术形式，这种真实感使得作品映射出一种不同于其他艺术形式的韵味，而对光线处理的方法不同，会让这种真实感愈加具体化。因此，要想在艺术作品中获得真实感，光线是必不可少的媒介。

人物画中光影技法的体现最具代表性的可追溯到十六、十七世纪。意大利画家卡拉瓦乔把光影、明暗的变化，当做体现画面中空间感的重要表现方法。在他的画面中，主题人物通常被安排在深色的背景中，用一束精心编排的光线映射在画面之中，唤起观者的内心感受。《召唤圣马太》这幅作品中就可以看到这样的处理方法，首先映入眼帘的是一只手，顺着手指的方向引导观者搜索主人翁，使得画面故事性跌宕起伏、扣人心弦，不同的观者具有不同的视觉感受以及心理各异的感触。这幅画以其透视感把我们引到画布之外的虚构空间中，以其光线使人物形象和墙壁栩栩如生，呼之欲出。这种用光线明暗对比来表现画面的技法，增强了画面的空间感，同时也丰厚了艺术作品中的故事性。荷兰画家维米尔并不追求戏剧化的效果，他更倾向于用光构建出一个具有明确的结构与清晰条理的空间。他的画面中，主体人物靠近窗边，室外的冷光渐次消溶在暖色的室内空间之中。例如，在他的代表作品《倒牛奶的女佣》这一幅画中，桌子上摆放着略显杂乱的生活用品，墙角上挂着一只藤篮和一盏马灯，清晨柔和的光线透过光线照进厨房，女佣正专心致志地倒牛奶，这个简朴的厨房因为温暖的阳光和流淌的奶而充满了寂静的美感。在这幅作品中，人物轮廓清晰，对光的出色掌握与自由描述，使得生活中简单的日常景致增添了一丝神圣的空灵感与纯洁性。《画室》、《窗前读信的女人》等多幅作品中都可以看到维米尔这一用光的特点。

二、风景画中的光与影

对光影的追求也是画家对生命体验的一种过程，风景画最能表现出这样的感触。画家们师法自然的基础上，对大自然进行不断地探索与研究。认识光线让我们不仅认识了形与色，同时还观赏了广阔的物象，感受到了丰富多变的层次美。在油画艺术里，艺术家们通过对色彩透视的剖析来实现对远近不同景象的表现，既丰富了画面的层次，又满足了观者对视觉的享受，给人一种景物延伸到了画面之外的错觉。例如，十九世纪现实主义画家米勒的作品《拾穗者》，采用横构图，近景以三位弯腰拾穗的农妇为主体，虽然衣衫褴褛，但是色彩依旧饱和，远景中的农民、堆垛人、车马、房屋和远山等景物逐渐远去，色彩对比逐渐消减，纯度也逐渐降低，最后和天际相连，使观者产生意境深远的视觉享受。又例如，在艺术家格列柯的画面中，一道道如同打雷闪电般的光线，给人一种神秘奇幻的感觉。十九世纪英国风景画家透纳善于把光表现为一种纯粹和绝对的元素。在透纳大量的海洋风景画中，阳光、烟 霭、水气、浪雾，都是纯粹由光的韵律所组合的。色彩、形状、线条以及肌理等这些造型要素都是建立在光这一关键因素之上来塑造的。例如《贩奴船》这幅作品展现给观者的是，晨曦在旭日映衬下反射到海面的光与汹涌澎湃的大海对比下显得格外刺目。为了构成他所表达的浪漫主义的激情，在画中有意的把触目惊心的故事与海上风景自然地融合在一起。橘红、柠檬黄、玫红和紫色奏起这幅画的色彩交响，画家同时代的评论家罗斯金在谈到透纳的风景画时曾说：“如果只用一幅画去证明透纳的艺术是不朽的话，那么应选择的就是《贩奴船》这幅作品。”透纳通过对海面上光和空气的探索研究，创造出自己独特的风格。另一位艺术家博然的画中，光源从外由内，自左向右，在画里只有被照亮的东西，但是这些东西又独立于光的存在着。它们达到了某种暂时性，事物的实质性反映了光的虚幻性。和博然相比，柯林特的画中，我们看不到光，却能感受到它的存在。画家们总以他们自己的方式重新发明光，并实践在作品中。光线是油画艺术的灵魂，我们在研究油画艺术的时候不能不重视光线的作用，如果没有了光，一切油画艺术也将不复存在。光线不仅有利于造型，还与赋色紧密相连，同时还是艺术家主观情感的有力宣泄手段，充分运用各种风格迥异的光线，会呈现出丰富多彩的画面效果。

三、油画中的光与影

油画的色彩丰富，表现力强，一幅好的油画作品，必然是色彩、造型、质感与谐调一致的表现。就文艺复兴时期的油画来说，艺术家们偏向使用射光或顶光，他们比较侧重表现三度空间的立体造型，以此来充分展现画面中物体的立体特性，这一时期绘画风格追求雕塑感，尊崇绘画中立体感比色彩重要的主流。艺术家为了画面人物形象完整，有时会使用不同方向的光线照射，追求画面的和谐统一。十七世纪的欧洲处于一个新旧社会思想激烈碰撞、动荡不安的社会状态，与此同时，欧洲美术进入了以擅长运用光线著称的巴洛克时期，巴洛克油画有着强烈的光影对比和戏剧性的明暗效果，营造了画面气氛，揭示了人物的内心世界，进而传达了艺术家的思想和情感。擅长光与影的实践和技法创新的莫过于印象派著名画家莫奈，在他的作品中突破了传统阴影和轮廓线的画法，观者很难捕捉到对比强烈或平涂式的轮廓线，也看不到特别明确的阴影。此外，莫奈对于色彩的运用相当细腻，他在视觉观察方面当之无愧是一个富有创造性的天才。他长期观察并探索光色与空气的表现技法，在他的内心里充满了对大自然的热爱，经常选定同一物象，在不同的时间和光线下，作出多幅不同效果的描绘，瞬间的情绪感触在自然的光色变幻中尽情彰显。莫奈对画面中光线与色彩的重视远远超过主体本身的巨象，在画布上的主体物总是消失在光色之中，他创造出来的色彩让观者对光与自然的结构得到重新的感悟。如果认真观察、研究印象派画家的作品，就会体会到色彩、造型、笔触是不可分离的整体。每个艺术家的感受不同，表现方法就会不同，用笔、用色就会灵活、多样。

绘画艺术是造型艺术的主要门类，作为代表西方绘画最重要的艺术种类的油画，如何运用造型语言对于一幅油画作品的成功与否有着及其关键的意义。在写实油画作品中，造型语言永远是为油画作品的内容，历史背景和艺术家想要表达的主题思想服务的，它成为人与画面沟通、交流、互动的媒介。造型语言的产生实际上是画面中各种造型元素的重组，是艺术家所有主观情感孕育相结合的产物。绘画作品想要引起观者的心理感应，除了必不可少的一些造型元素，例如：构图、色彩、线条、等之外，画面中的光线处理也是至关重要的。光线将画面中诸因素统一起来，并组成一个和谐的整体，它通常是画面的灵魂点，营造出画面特有的意境，这既体现出画家的修养，也是对作品的一种深层面的审美体验。不同的画家禀性各异，审美观念不同，对光的理解自然有着自己特有的感受。但是人们对光也有着相似的感触经验，从而形成了对光的审美观念的趋同性。

以往研究油画的艺术要素更倾向于关注造型和色彩，忽视了光线这一有着不可或缺的内在作用的绘画因素的研究，这样无益于剖析油画这一造型艺术内在的造型特点和风格表现规律。在油画作品中，光线是一切万物得以显现并且被赋予生命的神奇物质，具有关键性的地位，它们有着强烈的精神指向。不同的光线所反应出来的艺术效果是不一样的。光线是一种自然现象。不同的光，如日光、月光、甚至灯光都有着它们自身的特点，这种特点是不能被替代的，不同的光，给人的感觉也会不一样。通过仔细的观察，艺术家们找到了这种差异，并将其进行提炼。光线越强，所达到的效果便回越强烈。光线越柔和，给人的感觉会越舒服，这是众所周知的。所以，不同的光线有着不同的用处，不同的运用会导致不一样的艺术效果，给我们的视知觉带来不一样的感受。油画艺术研究的一个不容忽视的重要途径就是通过分析作品中光的表现和运用，对其风格和语言得出不一样的认识与总结。