关于戏曲表演意境营造的探索

时间：2024-05-04

文◎罗登峰

一、前言

学界对于戏曲表演的由来众说纷纭，但对于不同地区戏曲的特色及发展却十分宽容。除了被称为“国粹”的京剧外，还有流行于西北地区的秦腔、陇剧，流行于安徽等地的黄梅戏、流行于湖南的花鼓戏、流行于浙江金华地区的婺剧等，虽然喜爱戏曲表演的人群远不如古代及近代多，但在国家的大力扶持下，依然有一批人从事戏曲表演和戏曲研究，为丰富人民群众的精神文化生活，传承优秀传统文化出力。

二、戏曲表演意境类型

戏曲表演集音乐、舞蹈、美术、文学等艺术形式为一身，为了让观众更好地理解戏曲背后的故事，并沉浸其中，戏曲表演往往需要借助各种内外力因素共同打造出不同的意境。戏曲表演的意境类型大致分为以下几种：

（一）虚实结合

表演是将剧本上的内容借助人力表现给观众看，相较于电影、电视剧等表演形式，戏曲表演没有太多高科技的内容，而是纯靠演员功底，也因此，在表现一些演员功底无法呈现的场景时，戏曲表演往往采取虚实结合的方式进行。例如表演千军万马时，往往用音乐代替马蹄声，如京剧《定军山》中，就是由扮演“黄忠”的演员通过唱腔、形体动作与音乐节奏相配合，表演出战场前的种种气势，一个圆场就能代表行军千里。在表演鬼神妖仙等非人角色时，则往往由真人演员通过扮相和程式性、虚拟性、综合性动作来表现，并用两名演员之间的打斗来表现两种非人角色的斗法，如各剧种几乎都有的剧目《水漫金山》，就是通过演员的动作、唱腔等来呈现斗法的激烈。戏曲表演艺术来源于生活又高于生活，是追求以更好表演的形式去“神似”而非“形似”生活。除此之外，戏曲表演为了追求节奏感和写意美，还会将一些生活化的场景进行简化，例如拥抱、亲吻等表现男女主角关系亲密等举动，用搭肩等方式一带而过，而在唱腔、动作上下功夫，更能表现出意境美感。

（二）内敛婉约

各地戏曲中有相当一部分表演的题材是民间传说故事，尤其是爱情故事，更容易受到民众的喜爱，为了表现出时代背景下才子佳人们的特殊爱情，兼具艺术性和生活性，这类曲目的表演通常比较内敛婉约，例如青春版昆曲《牡丹亭》中杜丽娘初见柳梦梅时，为表现梦中情境，先让演员以手撑头作假寐状，再切入梦中与柳梦梅相遇的场景，并让演员用赏花、作诗来代替呈现两人相爱。而黄梅戏《天仙配·树上的鸟儿成双对》在唱腔上声调更高，唱词上男女主角的爱意更明显，两位演员绝大部分时候身体是分开状态，但又有所连接，用简单的肢体动作表现出恩爱缠绵的感情基调，同样是一种内敛的情感表现。

（三）壮美豪放

戏曲中还有一部分题材是与战争、英雄等词语相关的，此时演员的动作、唱腔、整个戏曲表演的基调都偏向壮美豪放，用急促密集的鼓声、趋向高亢的唱腔等来表现战事紧张，营造豪放意境。例如京剧《断密涧》最后逃亡的过程中，李密和王伯当两位角色的唱词都是越来越快、越来越高，一边体现背后追兵死咬不放，二人处境日趋困难，一边体现二人在逃亡过程中吵架的激烈和针锋相对，体现出两位角色间复杂的情感交集。而豫剧《穆桂英挂帅》中，主要角色穆桂英和次要角色佘老太君分别用雄浑浓重的唱腔、较重的鼓点以及雄壮的唱词来表现出两位女英雄的功绩，突出她们人到老年仍要上阵报国的壮志，整体呈现出雄壮豪迈的英雄气概。

（四）朴素亲民

在与劳动者生活长期接触的过程中，一些地方戏曲表演也融入了大量与人民生活息息相关的曲目和片段，而为了引发劳动者们的共鸣，这些曲目在意境营造上往往不求精致而求用心，力争让观众感觉这就是劳动者在劳动过程中自发唱出来的曲目。例如花鼓戏《补锅》中，为了吻合曲目背景，演员需要跟着唱词做动作，有些时候还会真的拿出锅来；而在地方戏曲目连戏中，演员们更是不拘于具体的表演场地，而是融入庙会现场进行表演，拉近与民众的距离，依靠面对面的表演，达到朴素亲民的意境效果。

三、戏曲表演意境营造的路径

戏曲表演作为表演的一部分，需要符合表演的四样标准，也即是“声台形表”。这里的四样标准不仅是演员需要注意的内容，而是为了带给观众沉浸式的观演体验，整场表演都需要注意的部分。其中“声”不仅包括演员语音的标准、声量的大小、音色、音域等内容，还应当包括表演各阶段音乐的配合度，甚至包括演出时尽量减少噪音、杂音；“台”则需要包括一切与舞台布置相关的内容，包括舞台装饰、灯光、幕布、布景等方面，力争不让观众出戏；“形”是对演员形象的要求，也是对演员动作的要求；“表”则是对整场表演主配角、演员与音乐、道具等各环节配合程度的整体评价。依据上述观点，优化戏曲表演意境营造的路径有如下三种：

（一）演员本身

1.从“唱”“念”方面营造意境

在戏曲表演中，最直接的表演形式就是嘴上功夫，也就是“唱”和“念”，通过富有感情的唱腔和唱词，让观众们了解故事的发展，体会角色的立场、心情等，从而掌握整场戏曲表演的节奏。在进行正式表演前，演员必须熟悉剧本内容，融入自己的情感来揣摩剧本蕴含的情感，通过反复揣摩、模拟对比等，最终确定更适合的唱腔。尤其是对于一些由老一辈演员以“师带徒”形式带起来的新演员，他们往往学的是传统唱腔，也力求与师傅唱得像，以保证不出错，但长期这样模仿下来，观众很可能会感觉到审美疲劳，也不利于戏曲表演在传承中创新。因此，每一位登台表演的演员都应当重视对唱腔和唱词的创新，平时多尝试、多思考、多打磨，请同行业前辈点评指正。当新的唱腔方式打磨成熟后，也要有足够的胆量敢于在公众面前表演，并虚心接受观众批评，不断修正，最终形成自己的特色。由于“念”出现较少，通常为补充说明作用，因此，“念”的创新空间更小，演员需要与搭档商量好“念”出现的时机，让其成为“唱”的最好辅助。

2.从“做”“打”方面营造意境

做和打都是通过动作来展现人物性格、故事情节等，是身上功夫，并且不是所有曲目中都需要打，但演员学习时都需要有打的功底，锻炼身体的柔韧度，更好地服务于各种角色需要的动作。在意境呈现上，“做”的动作能够满足多种意境类型的需求，例如小生动作往往文雅有礼，搭配花旦或青衣时就是观众们喜爱的才子佳人成双对，营造的氛围也更偏柔性；而武生动作往往大开大合，做、打并重，如《长坂坡》中的赵云，《十字坡》中的武松，营造的氛围也更偏刚性；如果是花旦，动作则需要兼顾刚与柔，既要展现出女性的柔美，又要敏捷伶俐有活力，如《红娘》经典的甩棋盘这一动作，既要用力得当，不至于将棋盘甩飞，又要反应灵敏，不至于甩得太慢不好看。“打”这一基本功在意境呈现类型上相对比较狭窄，往往适用于宏大的场面，烘托激烈的对立，增添紧张的氛围。例如现代京剧《智取威虎山》中的武戏，一些可以衬托主角杨子荣的英勇，一些可以表现双方斗智斗勇的激烈程度，都能为营造意境，烘托氛围出力。演员应当勤学苦练，用高标准要求自己，尽力做到最好，即使登台表演有一定名气后，也不要得意忘形，应当坚持苦练基本功，呈现更好地演出效果。

（二）音乐配合

音乐配合是戏曲表演中十分重要的组成因素，音乐节奏直接影响了演员“唱”的节奏，影响观众的听感，尤其是在表演一些经典曲目时，音乐节拍的快慢很容易被老观众们听出来。以京剧为例，京剧伴奏乐器分为打击乐和管弦乐两种，管弦乐器包括京胡、月琴、三弦、京二胡等，打击乐器包括板、堂鼓、大锣小锣、梆子等，管弦乐负责奠定整场表演的主基调，伴奏歌唱，打击乐则一般是在演员进行动作表演时使用。京剧《坐宫》中铁镜公主与杨延辉开篇就是西皮流水与西皮快板的对唱，通过一快一慢但整体偏快的节奏，带动演员唱词的加快，进而表现出杨延辉的急切心理。在进行戏曲表演前，乐师们应当在打磨基本功和曲谱熟练度的同时，加强与演员之间的练习，彼此熟悉对方的表演习惯，增强演出默契，进而使音乐与唱念达到水乳交融，浑然天成的状态。另外，随着时代的发展，各地方戏曲也在尝试创新，将更多的音乐类型融入戏曲中，并以更现代化的方式呈现戏曲，例如交响乐与京剧的融合，诞生了很多广受好评的演出，如梅派传人胡文阁、李胜素，程派传人张火丁、迟小秋等，均有与交响乐团合作演出京剧知名曲目的经历，而以电影的形式呈现戏曲及故事也同样获得了民众的认可，如豫剧电影《白蛇传》、数字京剧电影《对花枪》等。

（三）舞台布置

戏曲表演舞台的各项布置是为观众带来沉浸式体验的关键。王国维在《宋元戏曲考》中提到了“大家之作，其言情也必沁人心脾，其写景也必豁人耳目”，强调戏曲的意境呈现主要依靠剧作者的笔力，尤其是“大家”的作品，但对于审美标准已经一变再变的现在，只在剧本上下功夫显然是不够的，还需要在舞台布置上下功夫。例如在剧院表演时，利用好剧院背后的大屏幕，呈现背景时观感更好；利用小屏幕能够将演员动作神态放大，让后排观众也能看到细节；利用环绕音响提升观众的听感，在避免演员用嗓过度的同时，让伴奏更好地与唱腔融合等。