贝多芬《第七钢琴奏鸣曲》（op.10 No.3）创作和演奏分析

成泯宣

一、贝多芬和《第七钢琴奏鸣曲》

路德维希·凡·贝多芬（1770 年12 月—1827 年3 月），集古典之大成，开浪漫之先河的音乐巨匠。四岁时便开始学习小提琴和钢琴，8 岁开始登台演出。后在乐队担任小乐师。1792 年拜师海顿，并定居维也纳，开始专业创作。半个多世纪的创作历程中，曾先后创作出了多部交响乐、管弦乐序曲、钢琴奏鸣曲、协奏曲等，被后世尊称为“乐圣”。“贝多芬的音乐是力量与完美的化身，他随心所欲地塑造材料，并且使它臣服于自己的意志，将自己的精神完全自由地充盈其中。”[1]

《第七钢琴奏鸣曲》是贝多芬在钢琴领域的代表作。也是一部与时代发展和个人境遇紧密结合的佳作。从时代发展来看，十八世纪，欧洲各国相继爆发了资产阶级革命，自由和平等的理念也逐渐深入人心，包含贝多芬在内的音乐家们，都想摆脱宫廷和贵族的束缚并独立发展。从个人境遇来说，十七世纪末和十八世纪初的贝多芬正值壮年，正准备放开手脚大干一场，却发现自己患上了耳疾，这对于一个音乐家来说无疑是致命的打击。但是贝多芬却没有因此而消沉，而是决定向命运抗争，并写出了这首作品。与古典主义时期的钢琴奏鸣曲相比，该曲在形式和内容上都进行了一系列创新，是贝多芬早期的代表作，也是了解贝多芬音乐世界的一扇窗口。

二、贝多芬《第七钢琴奏鸣曲》创作分析

在《第七钢琴奏鸣曲》中，贝多芬将原本奏鸣曲的三乐章形式扩展为了四个乐章，伴随着篇幅的增长，内容也更加丰富。

具体来说，第一乐章中，旋律是较为活泼和明快的，充满热情的，并未出现十分强烈的对比。开头的四个音在随后多次运用和强调，起到了标志和说明的重要作用。从22 小节开始，作品进入过渡性主题音乐，然后旋律开始减缓，但是律动色彩更强。60 小节处，旋律朝着高音区发展，并出现了类似鸟鸣的音调。乐章最后的再现部和呈示部基本相同，在保持基本音乐材料不变的同时，力度变得更强，并将乐曲带入了一个小高潮，为接下来的发展做好了充分准备。

第二乐章与第一乐章形成了鲜明的对比，有一种伤感和悲凉的气氛。乐曲开始时，音色呈现出了类似于风琴的效果，这是贝多芬的一大创新，旨在让旋律呈现出鲜明的歌唱性色彩。随后音乐转为了C 大调，表现出了一瞬间的欢乐与明亮，但是紧接着又陷入了沉静之中。30 小节乐曲转为了F 大调，再次呈现出了一种庄重感。再现部中加入了光明和阴暗的对比，降E 大调三和弦若隐若现实，并进入了具有强烈对比色彩的戏剧性高潮，尾声则以悲叹式的叹息声结尾。

第三乐章为小步舞曲，并一扫第二乐章的低沉与悲哀。就像是在雾霾中突然出现了一道亮光。第一乐章的生动与活泼又回来了。第一个乐句在主音上结束后，第二乐句形成了一个发展部，并以上行四度音程的形式结束在属音上。第三乐句则通过对第一乐句的再现，将该段乐章的气氛推向了最高潮。

第四乐章采用了较为复杂的结构形式，意在体现出对传统奏鸣曲式的扩展和创新。当呈现出主部主题后，先后出现了两个插部。第一插部以半音化的方式进行，第二插部则发生了转调，由此也带动了音乐情绪的变化。第三插部则对第一次变奏的主题进行了重复，其目的在于引出具有华彩性质的尾声。尾声部分是对第一主题的模仿，并带切分节奏，最后乐曲以十六分音符的形式平静的结束。整个乐章充盈着变化无常的色彩，音乐情绪十分复杂，不禁给人以诙谐之感。

三、贝多芬第七钢琴奏鸣曲演奏技巧

（一）深入分析作品

呈现在演奏者面前的钢琴曲，绝不是简单的音符堆砌，而是创作者情感的凝结，同时有着丰富的内容。所以演奏的第一项任务便是对作品进行深入分析。具体到贝多芬的这首作品来说，主要包含文本分析和音乐分析两方面。首先是文本分析。所谓文本分析，就是对作品的来龙去脉进行考察和梳理。换言之，就是创作者是在什么状态下创作的这首作品，想要通过作品表现什么内容，表达什么心情。

通过分析可知，十八世纪初，正值欧洲大陆资产阶级革命风起云涌之际，自由、平等、民主的理念逐渐深入人心。此时贝多芬的音乐是事业正处于上升期。正当其准备大显身手的时候，却发现自己患上了耳疾，这对于一个音乐家来说是无疑是致命的打击。正是在这种境遇下写下了这首作品，意在表明自己要战胜命运的决心和斗志。其次是音乐分析。了解了作品的来由后，则要对作品进行音乐分析。作品分为四个乐章，每一个乐章都有着不同的情感指向。同时在旋律、节奏、音型等方面进行了一系列创新。为了验证这种分析是否准确，还可以进行试奏，然后有针对性的补足和完善。所以说，深入分析作品是演奏前必不可少的环节，可以从根本上避免各种错误的发生。

（二）展开审美想象

音乐作品都是有着特定背景和内容的。特别是一些年代久远的作品，所描绘的事件和场景都是演奏者未曾亲历过。在这种情况下，就需要演奏者发挥审美想象，将自己化身为作品的主人公，对情境进行复现，才能获得感同身受的体验。具体到这首作品来说，首先是对作品背景的想象。十八世纪初的欧洲，对于当代演奏者来说显然是“过去式”。这就需要演奏者凭借文字、视频等资料，对当时的大环境进行想象。当时风起云涌的资产阶级革命，对音乐家产生了深刻地影响，使他们得以摆脱宫廷和贵族的束缚，独立的创作和表演。正当贝多芬准确大显身手的时候，却患上了耳疾，足以想象和感受到其心情是多么的悲愤。其次是对作品内容的想象。虽然命运对自己不公，但是贝多芬并没有屈服，而是重新燃起了斗志，决心要战胜命运。所以这首奏鸣曲正式对这种决心的真实写照。作品的四个乐章，详细描述了自己所面对的困难、自己的心路历程变化，以及最终获得胜利的感慨。在整个演奏过程中，演奏者就变为了贝多芬，一幅幅真实的画面逐一浮现在面前，每一个音符都是自己的心声吐露，这种状态下的演奏一定是富含艺术表现力的，也一定会获得与观众的情感共鸣。

（三）把握技术要点

贝多芬被誉为是集古典之大成，开浪漫之先河的音乐巨匠。其奏鸣曲与古典主义作品相比，在作曲技法了进行了大量的创新，旨在使个人情感得到更加充分的抒发。所以演奏者也要通过对作品的深入分析，把握住这些要点，方能使作品风格得到全面的体现。以呼吸为例，作曲家其实是以音符为语言向听众讲述一段故事，表达一种情感。所以演奏中的阴阳顿挫，轻重缓急是十分重要的。如果呼吸不够精准，不仅会给人以别扭之感，而且还会发出现歧义。所以要结合乐曲的变化、各种演奏记号、表情术语等，合理运用乐句之间的呼吸。

第一乐章主体部分的1—4 小节为例，该部分从弱起开始，然后发展到带有延长记号的属音上，这时候既要及时使用延音踏板，又要保证演奏完八度强音后手指快速离键。但是虽然动作结束了，呼吸却不能泄掉，意在突出一种强壮有力的效果。直到随后的六和弦连奏时，才能快速的呼吸换气。

又如第二乐章，旋律具有鲜明的歌唱性色彩，这就要演奏者深吸一口气，中间不能有停顿和换气，连贯的将旋律奏出。此外，该曲在音型、和弦等多个方面，都有诸多创新，需要演奏者提前进行分析，并做好充分准备，方能游刃有余，获得理想的演奏效果。

（四）呈现音乐风格

该首奏鸣曲是由四个乐章组成的套曲，每一个乐章都呈现出了不同的音乐风格，需要演奏者区别对待。

第一乐章意在突出一种英雄主义色彩。对此贝多芬充分发挥出了钢琴这一乐器之王的音乐表现力，运用交响乐的思维，在钢琴上呈现出了管弦乐队齐奏的效果。而且力度也是极为强劲的。在该乐章的演奏中，演奏者的情绪要与作品完全融合在一起，一开始是热情磅礴的，在经过了欢快的跑动后，乐曲从急板转为了广板，音色也随之变的凝重和低沉，这时候需要从之前的指尖触键变为慢速触键，体现出这种情感变化。

第二乐章的情感真挚而浓郁，要求演奏者要找一种发自内心歌唱的感觉，并适当放慢速度。为小高潮的到来做好充分准备。演奏本乐章的小高潮时，要将力量倾泻而出，给人以于无声处听惊雷的感觉。

第三乐章的舞曲具有诗情画意的美感，同时又蕴含着生命不息的力量，传递出无限的希望。演奏时要及时调整自己的情绪，多采用指尖触键，使音色更加饱满，并具有颗粒性的色彩。

第四乐章的情感表现更加微妙，音乐的层次变化十分丰富，对此要采用快速触键的方法，获得轻快、集中而明亮的音色效果，给人以流畅之感。四个乐章的风格各不相同，需要演奏者区别对待，才能获得局部和整体的有机统一。

综上所述，在人类音乐发展史上，从古典主义到浪漫主义的发展，无疑是一次具有里程意义的大跨越。而贝多芬则是承前启后的关键音乐家。“贝多芬既继承了古典主义音乐的精髓，同时又开创了浪漫主义音乐风格，这使他荣登音乐艺术的珠峰。”[2]其既对古典主义时期形成的各种创作理念和范式进行了梳理和扩展，又在作品中注入了鲜明的主体意识，使作品的形式和内容得到了本质的提升。《第七钢琴奏鸣曲》正是其代表作之一。在欣赏和演奏这首佳作时，不仅要注意到作品在形式上的创新，更要感受作品所蕴含的思想和情感，获得个性化的体验。这既是贝多芬其人其作的价值和魅力使然，也是当代人对这位音乐巨匠最佳的缅怀方式。