冷广敏 平面有效的“空间”

视觉图像的“分量”，看似是种很抽象的概念，它包含着视觉对象的质感和一种脱离了物的“物质”本身的重量，但从表象和感受来看它还是物本身，从感知角度来看，视觉图像中这个“视觉”的过程是抽象的，被抽离过的。这种生产方式就像艺术家冷广敏在绘画之前对“物”的摄取过程，这是他用所有的感知经验来抽象地消解“物”的状态的过程。

对于冷广敏的绘画最有趣的东西是“物”或物的一种当下时间的“情景状态”是如何在他的绘画线索里变得有效。往往绘画呈现的停止和预设是一种契机关系，但它又不是一种标准，所以这种感性的开始与理性的停止对于绘画来说更像是一次“经验的行动”。冷广敏是把感性置入他观察的“物”当中，甚至是物和物的情景或存在状态中，而这其中的“结构”成为了他分解这个状态的入口，从而牵引到自己对“物”本身的消解和对绘画“物”的产生，这之间跨越了自身的知觉经验，这个过程可以说是从一种“消费”属性到了一种“视觉”属性。

绘画中视觉图像的“分量”也是冷广敏对“物”消解之后更关注的东西，他用绘画的方式把其中的“元素”分解开，又回到“物”本身——是一种画的状态。这个“绘画物”既真实又具分量，从他绘画的表面来看更像是结实的平面，这个“色层”好比是制作了一种“硬”，同时也更像是在制作和形成他绘画中的“物象”，这其中的触感很真实也很意外。意外是因为画面中构成物体视觉“分量”的表象元素结构、纹理，甚至是空间看上去都只构成了一种视觉元素，并不是对物体的复制，但他的这种绘画就抓住了构成这个“分量”的特质。

视觉的“分量”和冷广敏绘画中平面、空间的线索是密不可分的，在画面中很多整体颜色中会出现形体或形体的暗示，这种暗示是带有矛盾性的，既是一种形的概念，又是颜色之间的差别，显现出平面与空间视觉矛盾的“意外”。像他的很多画面中平面的空间感觉和真实空间之间是抽象的，处于合理与不合理的视觉经验之间。就好比他的作品《沉没》，从椅子“分量”的空间出发，平面的颜色指向是“背景”的感觉，这种空间解读是成立的，但从两块平面分割的红色出发，它又有“空间”的指向，同时椅子的物理“空间情景”是不合理的，彼此处于矛盾之中——甚至很抽象。但我们对整个绘画的直接观看，很难打破它的“合理性”，所以冷广敏是用平面颜色的空间从视觉上解决了真实空间的“视觉感”，这种关系之所以成立，是因为他利用了视觉经验的“特殊性”。

他的很多绘画都是把整的平面颜色与“物”本身所持有的空间指向性形成对比，从而造出了平面和颜色的空间，冷广敏完全是在探讨一种绘画性的关系，再加上他画面中标志性“线”的控制让物的“硬”的分量有了对平衡的克制。

I ART：看到你的绘画首先是一种很直接的色彩和形的感受，也很视觉本身，这种强烈或许在你的思考之前，你在创作的实践中有这样的出发点吗？

冷广敏：大家可能都会有预设，但不是一种完全的预设。我的画也是从之前设想的概念到如何呈现这样一个东西，但在画的过程当中要不断的实践和改动，甚至和之前的预设是发生偏离的，这个过程也不是以之前的预设作为一种标准去衡量最后的结果，同时又以一个旁观者身份去重新看它。但是预设的标准也特别重要，它也是最开始去实践的理由，这个理由有一个非常大的原则，它一定有感性的出发点，也可以说是灵感。就像我看到某些东西有一种出发点，然后去剖析它，从中获得物与物之间的关系——物的结构或颜色，这些东西更吸引我，我会从中延伸出一件作品，包括如何带到画面中去，如何面对过程中的偶然性，并且在这个实践的过程中重新发现新的意义，并去审视自己合理的标准，经过反复的过程，这个时候就到了呈现的停止，所以之前的预设更像是一个出发点，最终是把自身的知觉经验附着到绘画上。

I ART：看你的绘画有一种用平面的方式，体现出了“体的物感和画感”，但并不是体本身，是一种绘画语言的本身，对此你有怎样的思考？

冷广敏：从《玫瑰》这张绘画来看，首先我看到了这样一个物的情景，我想把桌子单独处在这个空间里的“状态”体现出来，它的面特别大、特别平，面的两边分别是两个不同的空间，我想通过强对比的颜色把桌子本身的形体“吃掉”，同时颜色的区分又和桌子有极大的关系，也就是形体与平面之间的关系，它本身切割了一个二维的空间，但又看上去是三维的空间，在实际的操作中要看它的成立性。如果只是为了单独平涂一块颜色，那这个颜色就只能是块颜色，同时是不是桌子的效果也不重要，重要的它是一种破损感，这样一种消解的感觉，这样的感觉可以让颜色不只是颜色。就像红色的区域，它的颜色延伸到了桌子上，绿色的区域也延伸到了桌子上，它可以是一个空间，但有很多肌理，是有种合理性的，为的是让这个肌理的效果不仅仅是个空间的东西。左边是虚空的状态，右边是实的状态，这两种状态又是一体的状态。有点像把肌理、颜色、空间形体这三个碎片组织在一起，出现了表象上“物”的感觉，但其实还是三个碎片的部分。

如果肌理是称之为“绘画”，那它便是种绘画性的东西，我的画面也同样存在一种绘画性的东西，但是我更想把它变成“物”本身的样子，更像是一种存在，而不是绘画感的流露，同时在不停地消解，最终构成了一种新的绘画性。

I ART：像你个展“看见表象”中作品《沉没》、《表象》对平面和空间的关系探讨，甚至是带出矛盾的，是不是也在讨论一种“视觉经验”？

冷广敏：“视觉经验”在“表象”的展览中更多的是种调动作用，就是用一种大家看起来都很正常的“视觉经验”来观看看上去也都正常的作品，但是从颜色来看，像一个正常的东西置入一个比较突变性的状态里边，也附带着问题。我想把这种矛盾隐藏其中，使得给人感觉是画面在一个没有问题的“安静”里面，但背后有一些矛盾的东西，这些作品都会有共同的线索——预设一个场景把观众带入其中，在这个过程中又设计了很多障碍，一种解读的障碍。我把这样一个非常正常、非常合乎逻辑的视觉经验的平面，已经推向了观者眼前，但是还可以把这种不安的、矛盾问题的因素隐藏其中。

I ART：在你很多的绘画中是不是也在探讨一种色彩上的平衡、凸显和形的平衡感？对于这种感觉的出发点是什么（鉴于一种合理性与不合理之间）？

冷广敏：平衡可以理解为构图的一部分，我作品平衡感的出发点是有一个“物”的概念。从之前的古典来看，平衡感只是构图的一部分，在往前到中世纪祭坛画，可能画面中的平衡感会更加强，同时十分刻板，造型也很生硬。我觉得我的画面里也有很生硬的、结实的东西，我希望它有一种分量。我对画面中平衡的加强，还是着重体现“物”的感觉，因为物的本身是有分量的，不管怎么摆放都具备这种平衡 。

在我的画面里除了平衡感还涉及别的东西，可以从“物”的角度来切入。这个物品和背景是发生关系的，背景并不只是一个背景的概念，可以说整个的画面可以理解为一个物品，物品之间是有一种力搅在一起，这个时候就需要达到一种平衡，否则就会有种心理的不安定。比如在我画面中贯穿整个画面的线，它都起到了撑起整个画面的作用，在画面中是用这种贯穿的线来克制物品结构的斜度，“有拽”的感觉，这也可以理解为一种平衡，同时也能制止了画面的空间。

I ART：你的绘画是有一种抽象的感觉的，但都是从具象的物抽离出来的，那你的具象和抽象之间这种绘画语言的跨越，是如何“思考”到达你想要的那种呈现？

冷广敏：我现在更明确的是希望做到一种永恒感。我希望我的绘画是一个概念化的东西，它能够调动人的视觉经验，让人看上去又是非常正常、非常普通的东西，但它的存在是概念化的存在，它有这样的永恒性。它不是个性的，而是共性的。比如设想我画一片水，它是概念的水，并且是无个性的水。在马远的《水图》中，水是非常主观的，他可能去写生观察过，之后成为归纳的水，但是那个水非常具有代入感。我希望我要做的是呈现一个概念，但是依旧对实体、具象的感觉加强，概念与具象的距离感拉近，将其同时呈现在一个平面上，会让人体会到一种可触摸的、真实的经验，但是其本身依旧属于概念范畴，而不仅仅是某一事物。

I ART：就好像是用很多线索来拉近概念与事物的具象，但是其矛盾是分开的。

冷广敏：比如说在传统绘画中，写生的作品肯定是画的有个性的事物。而在传统绘画的古典写实中，创作会并置一些场景与人物，在古典绘画中，很多场景都是有迹可循的，而人也是有模特参照，哪怕作为创作，其中的人物也是有出处的，所以他也是有个性的。在我的工作中我想把这种个性也消解掉，我要做的是一个概念化的状态。

I ART：为什么会一直使用很整的色块和色彩的对比？

冷广敏：这可能也是一种视觉发展的问题，其实像设计也是有这样一个趋势，走向了一种“简”。“简”又不能完全归类于“抽象”，但是可以有一种默契。在我这里必须要找到一种简的理由，但我又不是完全极简的思路。我觉的颜色对我来说一直是一个附属的东西，为我营造了一种状态，或许也构成了是否需要颜色的必要性。

I ART：同时这种色彩的对比当中有怎样的情绪和情感经验？

冷广敏：我画面色彩中的强对比是延伸出来的一个问题，我很注重它的自然和成立性，同时符合我要的标准。刚开始我选择这个颜色并没有设想这些，可能我会先择像克莱因对待颜色的态度，他觉得没有进行调和的颜色是最好的。我绘画中的椅子，刚开始只是利用了它的型，后面我会按照不同的设想来把握这种颜色，有些画面里面是一个很写实的椅子，我可能就运用了椅子本身物的颜色，这样可能就提取了它真实感的分量。有时候用夸张的颜色，比如红色、绿色就是想要利用这些颜色的对比关系来体现某种不定的感觉，甚至是强对比之下的恍惚感。（采访/撰文：李宁）