浅析中国山水画技法在服装设计中的表现

李卓聪，刘 妃

（江西服装学院，江西 南昌 330201）

当前，世界处于百年未有之大变局，国内国际不断有新挑战，而中国也随着这些变化在国际舞台愈增光彩。随着中国国际地位的不断提升，带有中国特色的产品也愈受追捧。因此，研究含有中国特色的设计就显得更加重要，也更有必要。

提及中国设计，不禁让人想到中国绘画，山水画则是具有代表性的一种。中国山水画的独立要追溯到隋唐时期，后逐渐融入文化意识，可以说山水画代表的是中国几千年的文化积淀，研究山水画，对探究中国精神和传统思想在绘画艺术领域中的体现具有非常重要的意义。作为一个历史悠久的文化古国，山水画也在其漫长的发展过程中不断完善，形成了具有鲜明特色的民族风格。

本项目从山水画的笔墨、构图、意境、色彩等方面进行深入研究，将其创新融入服装设计之中。山水元素结构重组之后形成的无数形态，无疑是对具有中国特色的服装锦上添花的一笔。在服装色彩、构图、纺织面料设计中，如果对其思想进行得体运用，必然会营造出古今结合的独特氛围，碰撞出现代文明与历史文化交融的火花。

1 中国山水画笔墨技法在服装设计中的表现

在历史发展中，中国画里有一种非常重要的技法—笔墨，这同时也是其内涵与风格的体现和延伸。可以说，笔墨技法既是山水画里一种特有的语言，也是其载体[1]。通过笔墨技法，对所要表现的思想理念进行渲染烘托，对自然的形与神进行完美融合，不仅增加了画作的意趣，也提升了精神境界。

1.1 线条造型技法

“线”是中国山水画的筋骨，有“立笔而骨生”的说法。中国山水画的笔墨元素中的线条具有韵律美、节奏美和框架美，在书法运笔中，横、竖、撇、捺、勾等都要求以不同的力度、线形来表现，借此展现书法家的性情和精神。在服装设计中运用中国画中的线条元素，以张肇达等为代表，自幼在书法、绘画世家的熏陶之下，其后期的服装作品经常通过线条造型表达服装肌理质感、廓形美感等，运用线条手法设计服装，可以使服装具有层次感、空间感以及扩张感。横竖线条给人的感觉也截然不同，比如常说的横线运用于服装，可以使身材消瘦的人看上去圆润，而竖线运用于服装，可以起到拉长人身材比例的效果。在服装设计中，线条造型的运用是非常广泛的。

1.2 手绘印染技法

手绘，顾名思义，即用手在特定部位绘制想要的图案。印染，即印刷染织，有两种染整方法：一种是先染后织，先对纤维着色，而后织造；另一种是先织后染，先将面料织出，再运用机器等对面料进行着色[2]。将山水画技法运用于服装设计，要深入研究山水画的构图方式，掌握其构图技巧等，通过特定的时空观和山水场景，了解其绘画规律，在手绘印染时，可将自己创作的图案巧妙地运用到服装上，使其符合形式美法则。

1.3 面料再造技法

面料再造是指在原有面料材质基础上进行立体重塑，使现有的材料在肌理质感上发生较大的变化[3]。其中，有在面料上进行刺绣、面料叠加，将线、绳、珠片等材料运用到其中的加法设计；也有利用切割、破损、抽纱、镂空等工艺手法，对面料进行再造的减法设计；还有利用外力进行挤压、拉伸，使初始轮廓形态变化，产生其他生命力的造型。将山水画元素进行提取凝练，抽象、异化运用于服装设计中，运用面料再造手法，可使服装私人化、个性化，可以说是独一无二。

2 中国山水画色彩技法在服装设计中的表现

2.1 “水墨”色彩语言

“水墨”即水墨画，是中国山水画的典型代名词之一，也是中国山水画的一种表现形式，通常用来指水和墨做出来的画。通过水的加注，改变墨的清淡、浓稠，表现山水场景的独特艺术效果。在服装设计中，可以采用“水墨”方式进行手绘创造或者印染等机器绘制，能很好地表现出空灵飘逸的效果。纸与墨的黑白对比，如运用于服装设计中，可产生奇妙的化学反应[4]。这种设计方式可借鉴对比混合法，指选择反差性较高的对比元素，使得原来的固定结构分散，利用新的不同造型融入其中。这种手法弱化了兼容过程中不统一的元素，产生了对比统一的时尚感，增强了画面的视觉冲击力。同理，“水墨”色彩语言在服装中的运用也可使服装呈现整体通畅、富有层次、内容丰富的视觉效果。

2.2 “丹青”色彩语言

“丹青”是中国山水画的另一代名词。朱红色、青色通常为我国古代画作所用，故称“丹青”。二色都是由丹砂（庙砂）与青石矿物质碾炼调制而成，在重彩画中运用居多，即以黑色、绿色、青色、黄色、赤色等色系的天然矿物色原料层层累叠描染。其中，以王希孟的《千里江山图》为典型。在服装设计中，可以通过以色代墨的形式，提升画面效果，在注意主次颜色用量的情况下，将其他颜色合理适量地挥洒其中，更好地表达出超越黑白的效果。借鉴扩张、解构重组等手法，将其运用到服装设计中，通过山水元素图案场景、色彩搭配，增加服装的量感廓形，丰富服装层次性，将复杂、固定的传统山水构图样式与现代时尚元素进行取舍融合，极大地削弱了两种风格的直面碰撞，这种手法让服装设计产生了新的构图方式，不会让人感觉只是将山水画复制粘贴于服装设计中。

3 中国山水画构图技法在服装设计中的表现

3.1 “虚实留白”的构图观

构图无论对山水画还是服装设计都是极为重要的环节，构图形式是创作者抒发情感和表达情绪的过程转化。无论是在山水画创作还是服装设计中，都会注意到留白的构图手法，具体细分有边角留白、借物留白（山石留白、云水留白、树木留白、天空留白）、光影留白，这些技法运用在服装设计中，将很好地提升设计质感。笔者可以通过对虚与实、疏与密、黑与白等关系的处理进行空间塑造，借此传达精神意蕴[5]。在服装设计中运用这种留白技法，可以使服装整体协调统一，削弱因构图太满给人的压抑感，使观者的目光自然而然地聚焦于创意点。裸露是一种可将中国山水画较好地融入服装设计中的技法，在服装的缺失与透明中，展现了人体和自然肤色之美。中西方设计对此有不同的表达，西方多热情大胆，而中国则加以蕾丝、薄纱等面料选择性遮挡，营造出服装空白和填补的对比与统一。知白守黑、虚实相生就是对其很好的总结。此外，还有“之”字形构图法、散点透视法等，这些方法都可以很好地帮助设计师表达自身愿景。研究这些技法将在很大程度上帮助设计师在服装款式、图案等创作中提升设计效果。

3.2 传统哲学艺术审美观

3.2.1 意境

在中国山水画中，意境是所有设计师的共同追求且极受重视。在设计中，颜色、款式、图案等应用是否合理，将直接决定画面是否和谐、有美感，甚至决定作品是否成功。古代文人就提出了“意在笔先”的论断，说明任何设计首先需要有一个好的意境[6]。例如，服装设计先要有对于何人在何时何地穿着的意境想象，做好灵感版、市场定位等前期研究，再开展其他活动。只有重视山水画中场景、氛围的营造，才能让观赏者从中了解设计师寄托在设计里的情感和思想，继而产生购买的欲望，使其从隐性上升到显性，转化为购买力。

3.2.2 气韵

历代中国山水画家都将气韵视为最高境界。山水画的精神内核就是传递中国智慧与哲学，寓情于画、以画言志、以画抒情，重思想、尚人文、讲感情，气韵生动为第一要义，真正体现山水画的审美情趣和艺术价值。将气韵精神运用到服装设计中，能很好地改善国人的精神面貌，也能让具有中国精神的“气韵”服装踏出国门，以更加绚丽的身影出现在国际舞台上[7]。所谓“气韵”，即学习研究渗透中国传统优秀文化，将这种千年积淀转化成服装设计中的符号，通过美学原则、山水画构图等原则表达的一种情怀和境界，是设计师要努力达到的高度。

4 结语

在深入研究中国山水画技法的同时，要注重将其元素灵活运用于服装设计中，不仅需要设计师深入研究山水画的技法意蕴，还要结合服装的面料、色彩、图案、样式、工艺和各种装饰的细节，根据当前流行趋势，巧妙地进行创意设计，使设计作品美观协调，符合现代社会的审美需求，让中国织造更好地展现在国际大众的视野里。

通过研究中国山水画，进一步剖析其表达的内涵意蕴，阐释新时代下的中国美学语言。以近代中国特色服装结构的聚变作为接入点，再结合具体的实例，总结出受大众喜爱的发展趋势。权衡中西、形意兼备，探索出本土化、改良化的中国山水元素，融入服装设计中的美学思维，寻求中式结构发展的可观模式，发扬“中国织造”，使传统艺术受到更广泛的关注和喜爱，让人类文明瑰宝得到传承和发展。